Commissaires | Curators:
Louise Pelletier
Canadienne, basée au Canada | Canadian, based in Canada
[Fr]
Louise Pelletier a une formation d’architecte. Professeure à l’École de design de l’Université du Québec à Montréal depuis 2006, elle a occupé les postes de directrice du programme de design de l’environnement de 2008 à 2012 et de directrice de l’École de design de 2014 à 2017. Elle est actuellement la directrice du Centre de design de l’UQAM, une galerie qui présente un large éventail d’expositions, allant de l’architecture aux arts graphiques, en passant par le design de mode. Titulaire d’une maîtrise post professionnelle et d’un doctorat en architecture de l’Université McGill, avant d’être à l’emploi de l’UQAM, elle a enseigné à l’École d’architecture de l’Université McGill de 1997 à 2006 et a été professeure invitée à l’École d’architecture de l’Université de Montréal et à l’École d’architecture de l’Université d’Oslo. Elle a travaillé en pratique privée pendant une dizaine d’années et est l’auteure de plusieurs livres et articles sur l’architecture et le design d’exposition. Elle a été commissaire et conceptrice de plusieurs expositions à Montréal, au Japon, au Brésil et en Norvège.
[En]
Louise Pelletier is an architect by training. As a professor at the School of Design at the University of Quebec in Montreal (UQAM) since 2006, she has held various leadership positions, including program director from 2008 to 2012 and director of the School of Design from 2014 to 2017. Currently, she serves as the director of the UQAM Design Centre, which showcases a diverse range of exhibitions encompassing architecture, graphic design, and fashion. With a post-professional master’s degree and a Ph.D. in Architecture from McGill University, she has previously taught at McGill University’s School of Architecture from 1997 to 2006, and served as a guest professor at the School of Architecture at the University of Montreal and the University of Oslo. In addition to her academic contributions, she has a decade of private practice experience and has authored numerous books and articles on architecture and exhibition design. Her expertise as a curator and exhibition designer has been showcased in Montreal, Japan, Brazil, and Norway.
Fabienne Munch
Française, basée aux États-Unis | French, based in the USA
[Fr]
Fabienne Münch est la directrice du Département de design de l’Ohio State University. Auparavant, elle a dirigé des partenariats internationaux de recherche pour la Pritzker School of Molecular Engineering de l’Université de Chicago, et un projet de recherche sur la diversité culturelle avec sept universités européennes afin de créer, pour l’Union européenne, l’expérience universitaire virtuelle « Unite! ». De 2013 à 2017, elle a été la directrice de l’École de design de l’Université de Montréal, où elle a mis en œuvre des réformes de programmes, lancé deux nouvelles maîtrises, encouragé des programmes interdisciplinaires sur le campus et forgé de nouveaux partenariats avec des écoles en Europe et en Amérique du Sud. Elle a travaillé pour Herman Miller Inc., où elle a occupé divers postes de direction à la recherche, à la conception et au développement pendant quinze ans. Fabienne est titulaire d’une maîtrise en administration des affaires internationales de l’ICN Business School à Nancy, d’une maîtrise en sciences sociales de HEC Paris en partenariat avec l’Université d’Oxford, au Royaume-Uni, et d’un doctorat en gestion interculturelle de l’Université Grenoble Alpes, en France.
[En]
Fabienne Münch is Chair of the Design Department at Ohio State University. Previously, she led international research partnerships for the Pritzker School of Molecular Engineering at the University of Chicago, as well as a cultural diversity project with seven European universities, resulting in the creation of the virtual academic experience “Unite!” for the European Union. During her tenure as Director of the School of Design at the University of Montreal from 2013 to 2017, Fabienne implemented program reforms, introduced two new master’s degrees, fostered interdisciplinary programs on campus and forged new partnerships with schools in Europe and South America. During her fifteen-year tenure at Herman Miller Inc., she held various leadership positions in research, design, and development. Fabienne holds a Master’s degree in International Business Administration from ICN Business School in Nancy, a Master’s degree in Social Sciences from HEC Paris in partnership with the University of Oxford, UK, and a Ph.D. in Intercultural Management from the University of Grenoble Alpes, France.
Katharina Sand
Allemande et suissesse, basée en Allemagne | German and Swiss, based in Germany
[Fr]
Katharina Sand est professeure invitée à l’AMD (Akademie Mode & Design) de Munich, au département de design de la Hochschule Fresenius, ainsi que commissaire d’expositions, éditrice et chercheuse dans le domaine de la mode. Auparavant, elle a été professeure à l’École de design et l’École supérieure de mode de l’Université du Québec à Montréal (UQAM), professeure au Savannah College of Art and Design (SCAD) et professeure invitée à l’Université des Arts de Linz. Elle a également enseigné à la Haute école d’art et de design de Genève (HEAD) et chez Parsons Paris (The New School). Elle a étudié au Goldsmiths’ College à Londres, à l’Université Paris 8 et à Università della Svizzera Italiana de Lugano. Ses recherches portent sur les défis créatifs, socioculturels et écologiques qu’amènent les effets de la technologie sur le design. Elle a été co-commissaire pour Making FASHION Sense, la première exposition consacrée à la mode à la Maison des arts électroniques (www.HeK.ch). En 2021, elle a été chargée de documenter 20 collaborations entre la mode et la technologie par ReFREAM, l’un des piliers du programme S+T+ARTS (Science + Technologie + Arts), une initiative de la Commission européenne.
[En]
Katharina Sand is a visiting professor at AMD (Akademie Mode & Design) Munich, the Design department of the Hochschule Fresenius, as well as a fashion curator, editor, and researcher. She was previously a full professor at the École de Design and the École supérieure de mode of the University of Quebec in Montreal (UQAM), professor at the Savannah College of Art and Design (SCAD), and a visiting professor at the Kunstuniversität Linz. She has also taught at the HEAD-Genève University of Art and Design, and PARSONS PARIS (The New School). She completed her studies at Goldsmiths’ College in London, Université Paris 8, and Università della Svizzera Italiana in Lugano. Katharina’s research examines the impact of technology on design, and the resulting creative, socio-cultural and ecological challenges. She co-curated “Making FASHION Sense” at the House of Electronic Arts (www.HeK.ch). In 2021, she was commissioned to document 20 fashion and technology collaborations by ReFREAM, one of the pillars of the S+T+ARTS (Science + Technology + Arts) program, an initiative of the European Commission.
Commissaire invitée | Guest curator:
(Section historique | Historical section)
Christina Contandriopoulos
Canadienne, basée au Canada | Canadian, based in Canada
[Fr]
Christina Contandriopoulos est professeure à l’Université du Québec à Montréal, où elle enseigne l’histoire du design, de l’architecture et des villes. Détentrice d’une maîtrise et d’un doctorat en histoire de l’architecture (McGill), elle a aussi enseigné dans les écoles d’architecture de l’Université de Montréal et de l’Université McGill. Ses recherches portent sur les écrits de femmes, l’espace public, l’utopie et la cartographie. Elle a récemment publié des articles dans la revue Materia Arquitectura, les Cahiers de la recherche architecturale, urbaine et paysagère et la revue Captures. Au printemps 2022, elle a été co-commissaire pour l’exposition Faucons Pigeons à la SBC galerie d’art contemporain (www.sbcgallery.ca/fauconspigeons). Elle dirige aussi le Réseau Art et Architecture du 19e siècle depuis 2017 (raa19.com).
[En]
Christina Contandriopoulos is professor at the Université du Québec à Montréal, where she teaches the history of design, architecture and cities. She holds a master’s degree and a PhD in architectural history, and she has also taught in at the Université de Montréal and at McGill University’s School of Architecture. Her research focuses on women’s writings, public space, utopia and cartography. She has recently published articles in Materia Arquitectura Journal, Cahiers de la recherche architecturale urbaine et paysagère and the magazine Captures. In the spring of 2022, she co-curated the exhibition Faucons/Pigeons at Galerie SBC (www.sbcgallery.ca/fauconspigeons). She is also the director of the Research on Art and Architecture in the 19th Century (raa19.com).
Artistes et designers présentées | Artists and designers featured:
A+N Studio (Alissa van Asseldonk and Nienke Bongers)
Néerlandaises, basées aux Pays-Bas | Dutch, based in the Netherlands
[Fr]
Fondé en 2014 par Alissa van Asseldonk et Nienke Bongers, A+N est un studio de recherche et de conception de matériaux basé à Eindhoven, aux Pays-Bas. Les chemins des deux designers se sont croisés à l’Académie de design d’Eindhoven. Réputé pour son savoir-faire, A+N Studio crée des objets de haute qualité qui apportent une valeur ajoutée à tout espace. En collaborant avec des artisans traditionnels et des entreprises à la fine pointe de la technologie, A+N Studio conçoit des matériaux, des objets et des installations innovantes. Leurs créations suscitent la curiosité et encouragent l’interaction, tout en engageant les sens du spectateur.
[En]
Established in 2014 by Alissa van Asseldonk and Nienke Bongers, A+N is a material research and design studio based in Eindhoven, the Netherlands. The duo crossed paths at the Design Academy Eindhoven. Renowned for their craftsmanship, A+N Studio creates high-quality designs that bring added value to any space. Through collaborations with traditional artisans and cutting-edge enterprises, A+N Studio pioneers innovative materials, objects, and installations. Their creations ignite curiosity and promote interaction, captivating the viewer’s senses in an engaging experience.
Yosi Anaya
Mexicaine, basée à Mexico | Mexican, based in Mexico
[Fr]
Yosi Anaya est chercheuse à l’Institut des beaux-arts de l’Université de Veracruz. Elle est titulaire d’un doctorat de l’Université de Londres. Elle est membre du Conseil national pour la culture et les arts du Mexique et a participé à plus de 25 expositions individuelles et 100 expositions collectives internationales au cours des 20 dernières années, notamment à la Triennale internationale de la tapisserie de Lodz (Pologne), au Musée du costume (Madrid), au Musée du textile de Oaxaca (Mexique), au Museo Franz-Mayer (Mexico) et à plusieurs biennales mondiales d’art textile. Elle explore les pratiques artistiques et curatoriales, et ses recherches s’inspirent à la fois de l’artisanat traditionnel mexicain et de l’art contemporain. Ses installations interrogent le manque de visibilité des textiles et des femmes qui les fabriquent, ainsi que les démarcations entre l’art populaire et le canon occidental.
[En]
Yosi Anayan is a researcher at the Institute of Fine Arts, University of Veracruz. She holds a PhD from the University of London. She is a fellow of Mexico’s National Council for the Arts and Culture and has participated in over 25 solo and 100 international group exhibitions over the last 20 years, including the Triennial of Tapestry in Lodz (Poland), Museo del Traje (Madrid), Museo Textil (Oaxaca), Museo Franz Mayer (Mexico City), and several World Textile Art Biennials. She explores artistic and curatorial practices and interweaves Mexican textile traditions with contemporary art. Her installations question the societal oversight of textiles and the women who craft them, as well as the border between folk art and the western canon.
Estelle Bourdet
Suissesse et suédoise, basée en Suède | Swiss and Swedish, based in Sweden
[Fr]
Estelle Bourdet a grandi en Suède et en Suisse, entourée de métiers à tisser familiaux. Diplômée en arts plastiques de l’École cantonale d’art de Lausanne (ÉCAL) avec le textile comme matériau principal, elle a exploré les techniques textiles à la Hochschule Luzern HSLU, puis s’est installée en Suède et s’est plongée dans l’artisanat textile traditionnel à l’école Capellagården. En tant que tisserande, elle propose des services de production, de conception artistique et de consultation dans le domaine des textiles et des matériaux. Son travail se concentre sur la fusion entre les connaissances ancestrales et les nouvelles tendances en matière de fabrication lente et de ressources durables.
[En]
Estelle Bourdet grew up in Sweden and Switzerland, surrounded by family looms. She graduated in fine arts at the École Cantonale d’Art de Lausanne (ÉCAL) with textiles as her main medium, experimented with textile techniques at the Hochschule Luzern HSLU, then moved to Sweden and immersed herself in traditional textile handicrafts at the school for creative work, Capellagården. As a hand weaver, she offers production, artistic designs, and consultancy on textiles and materials. Her work focuses on merging key ancestral knowledge with new trends in slow making and sustainable resources.
Felecia Davis
Américaine, basée aux États-Unis | American, based in USA
[Fr]
Felecia Davis est professeure agrégée à l’École d’architecture et d’architecture de paysage de l’Université d’État de Pennsylvanie (Penn State) et directrice de SOFTLAB@PSU. Elle a obtenu un doctorat au MIT, une maîtrise en architecture à l’Université de Princeton et une licence en ingénierie à l’Université Tufts. Son travail a fait partie de l’exposition Reconstructions: Architecture and Blackness in America au Museum of Modern Art (MoMA) de New York. Elle a animé de nombreux ateliers, présenté plusieurs conférences, et ses travaux ont été largement publiés et exposés à l’échelle internationale, notamment à l’École suédoise du textile, chez Microsoft Research et au Media Lab du MIT. Ses recherches sur les textiles computationnels transcendent les frontières entre l’art, la science, l’ingénierie et le design.
[En]
Felecia Davis is an Associate Professor at the School of Architecture and Landscape Architecture at Pennsylvania State University and is the director of SOFTLAB@PSU. She completed a PhD at MIT, received her Master of Architecture from Princeton University, and her Bachelor of Science in Engineering from Tufts University. Davis’ work was part of the Museum of Modern Art’s 2021 exhibition Reconstruction: Architecture and Blackness in America at the MoMA. Felecia has lectured, taught workshops, published, and exhibited internationally, including at the Swedish School of Textiles, Microsoft Research, and MIT’s Media Lab. Her work in computational textiles connects art, science, engineering, and design.
Aïssa Dione
Franco-sénégalaise, basée au Sénégal | Franco-Senegalese, based in Senegal
[Fr]
Aïssa Dione est artiste peintre et designer textile. Elle a étudié l’art en France et a poursuivi ses études à l’Université de Dakar. Elle se consacre à la valorisation des arts textiles en Afrique de l’Ouest, avec une attention particulière portée sur les pratiques artisanales du tissage au Sénégal. Elle met en avant les ressources locales, tant matérielles qu’humaines, en associant les savoir-faire traditionnels à des techniques modernes. Son objectif est de démontrer la possibilité d’un développement économique endogène en Afrique et dans le monde. Sa philosophie repose sur la valorisation du coton cultivé en Afrique de l’Ouest à travers les arts appliqués contemporains. Ses créations et ses tissus remarquables ont été acclamés par de prestigieuses marques telles qu’Hermès, Fendi, Christian Liaigre et Peter Marino.
[En]
Aïssa Dione is a painter and textile designer who studied art in France and continued her studies at the University of Dakar. Devoted to the celebration of textile arts in West Africa, she places a special emphasis on weaving craftsmanship in Senegal. She combines traditional expertise with innovative techniques, showcasing the rich local resources, both human and material. Her objective is to demonstrate the potential for endogenous economic development in Africa and worldwide. Guided by her philosophy of honouring West African cotton through contemporary applied arts, her remarkable creations and fabrics have garnered acclaim from prestigious brands including Hermès, Fendi, Christian Liaigre, and Peter Marino.
Cécile Feilchenfeldt
Suissesse, basée en France | Swiss, based in France
[Fr]
Cécile Feilchenfeldt explore les limites expérimentales et créatives du tricot. À la suite de ses études en design textile à l’Université des Arts de Zurich, elle devient lauréate du prix Brunschwig des arts appliqués. Après avoir conçu des costumes de théâtre pendant une dizaine d’années, elle travaille avec des clients prestigieux, notamment dans le domaine de la haute couture. Ses créations sont le fruit de juxtapositions inattendues, de volumes ludiques et concentrés, et de constellations de matériaux surprenantes. La Confédération suisse a décerné à Feilchenfeldt un Grand Prix suisse de design pour son savoir-faire et sa méthode expérimentale; elle a également reçu le Grand Prix de la Ville de Paris en 2019 et a exposé ses œuvres à l’échelle internationale.
[En]
Cécile Feilchenfeldt explores the limits of experimental knitting artistry. Following her studies in textile design at the Zurich University of the Arts, she received the Brunschwig Prize for Applied Arts. After a decade of creating theatrical costumes, she began working with high-profile clients, including in the domain of haute couture. Her creations are the result of unexpected juxtapositions, playful and focused volumes, and surprising material combinations. The Swiss Confederation granted Feilchenfeldt a Swiss Grand Award for Design in recognition of her expertise as well as her experimental method; she was also awarded the Grand Prix de la Ville de Paris in 2019 and has exhibited internationally.
www.instagram.com, @cecilefeilchenfeldt
Carla Hemlock
Mohawk, basée au Canada | Mohawk, based in Canada
[Fr]
Carla Hemlock est une artiste textile mohawk originaire de la nation mohawk de Kahnawà:ke, près de Montréal. Son travail artistique se concentre principalement sur les arts textiles, bien qu’elle utilise également une variété de techniques pour aborder des thèmes souvent controversés. Comme l’a souligné l’historienne Jennifer McLerran, si les courtepointes d’Hemlock peuvent être perçues comme de simples couvre-lits ornés de motifs anodins d’animaux et de plantes, elles transmettent cependant aussi des messages politiques sur la justice environnementale, la souveraineté tribale et la violence subie par les femmes autochtones à cause du colonialisme. Ses œuvres font partie des collections de prestigieux musées aux États-Unis, tels que le National Museum of the American Indian, à Washington, D.C., qui fait partie de la Smithsonian Institution, et le Nerman Museum of Contemporary Art, au Kansas.
[En]
Carla Hemlock is a Mohawk textile artist hailing from the Mohawk Nation of Kahnawà:ke near Montreal. Her artistic endeavours revolve primarily around textile arts, although she also employs a variety of media to address often-controversial themes. As historian Jennifer McLerran has pointed out, while Hemlock’s quilts can be seen as simple bed coverings with decorative representations of animals and plants, they also carry political statements concerning environmental justice, tribal sovereignty, and the violence endured by Indigenous women due to colonialism. Hemlock’s works can be found in the collections of several prestigious museums including the Smithsonian Institution’s National Museum of the American Indian in Washington, D.C., and the Nerman Museum of Contemporary Art in Kansas.
Cindy Hsin-Liu Kao
Taïwanaise, basée aux États-Unis | Taiwanese, based in the USA
[Fr]
Cindy Kao est professeure adjointe à l’Université Cornell et titulaire d’un doctorat du MIT Media Lab, ainsi que d’une maîtrise en informatique de l’Université nationale de Taïwan. Elle dirige le Hybrid Body Lab et explore de nouveaux procédés de fabrication numérique pour créer des technologies proches du corps. Kao a reçu une bourse CAREER de la National Science Foundation, une nomination au prix STARTS d’Ars Electronica et le prix de l’innovation interactive de SXSW. Kao et son laboratoire s’efforcent d’avoir une influence sur les communautés du design et de l’art en présentant des expositions à l’international, notamment au Centre Pompidou à Paris, au Museum of Fine Art de Boston, à Ars Electronica à Linz, en Autriche, et au Museum of Pop Culture, à Seattle.
[En]
Cindy Kao is an Assistant Professor at Cornell University and holds a Ph.D. from the MIT Media Lab, along with a Master’s degree in Computer Science from the National Taiwan University. She is the director of the Hybrid Body Lab and develops novel digital fabrication processes for crafting technology close to the body. Kao was awarded a National Science Foundation CAREER Award, an Ars Electronica STARTS Prize Nomination, and the SXSW Interactive Innovation Award. Kao and her lab strive to make an impact in the design and art communities by showing internationally, including at the Centre Pompidou in Paris, the Boston Museum of Fine Art, Ars Electronica in Linz, Austria, and the Seattle Museum of Pop Culture.
Julia Koerner
Autrichienne, basée aux États-Unis et en Autriche | Austrian, based in the USA and Austria
[Fr]
Julia Koerner explore la conception de patrons numériques et l’impression 3D multicolore sur textile. Elle est titulaire d’une maîtrise en architecture de l’Université des arts appliqués de Vienne ainsi que de l’Architectural Association de Londres et fait partie du corps enseignant de l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA). Elle a enseigné en Autriche, en France, en Jordanie et à l’Université de Lund, en Suède. Parmi les musées qui ont exposé ses œuvres figurent le Metropolitan Museum of Art de New York (MET), l’Institute of Art de Chicago, le Museum of Art de Philadelphie et le Musée des arts appliqués (MAK) de Vienne. Elle a collaboré avec des maisons de haute couture et sur des productions hollywoodiennes telles que Black Panther, récompensé par l’Oscar de la meilleure création de costumes.
[En]
Julia Koerner explores digital pattern design and multicolour 3D printing on fabric. She holds master’s degrees in architecture from the University of Applied Arts in Vienna and the Architectural Association in London and is a faculty member at the University of California, Los Angeles (UCLA). She has taught in Austria, France, Jordan, and at the Lund University in Sweden. Museums that have exhibited her work include the Metropolitan Museum of Art in New York (MET), the Art Institute of Chicago, the Philadelphia Museum of Art, and the Museum of Applied Arts MAK Vienna. Her collaborations include haute couture and Hollywood productions such as Black Panther, which won an Oscar for Best Costume Design.
Mari Koppanen
Finlandaise, basée en Norvège | Finnish, based in Norway
[Fr]
Mari Koppanen travaille actuellement sur son doctorat en recherche artistique à l’École nationale des arts d’Oslo. Elle a fait des études en design de mode et de mobilier. Elle a reçu le prix des meilleurs talents du Designers’ Saturday, la bourse FKDS et la bourse d’État pour les artistes du Centre de promotion des arts de Finlande. Koppanen travaille en tant qu’artiste et designer multidisciplinaire, et s’intéresse aux questions éthiques, environnementales et sociales dans son travail, qui va du mobilier au textile, en passant par la poterie et la conception de biomatériaux.
[En]
Mari Koppanen is currently working on her Ph.D. in Artistic Research at the Oslo National Academy of the Arts. Her educational background is in fashion and furniture design. She has received the Designers’ Saturday Best Talents Award, the FKDS grant and the State Artist Grant from the Arts Promotion Centre Finland. Koppanen works as a multidisciplinary artist and designer and embraces ethical, environmental, and social issues in her work, which ranges from furniture to textiles, pottery, and biomaterial design.
Louise Lemieux Bérubé
Canadienne, basée au Canada | Canadian, based in Canada
[Fr]
Louise Lemieux Bérubé est née à Montréal et a étudié le tissage à la Rhode Island School of Design (RISD) ainsi que l’histoire de l’art à l’UQAM. Elle est reconnue internationalement pour son travail en tissage jacquard et en broderie informatisée, et s’est impliquée dans des institutions et des associations d’artistes. Finaliste du prix Saidye-Bronfman en 2005, l’une des distinctions les plus prestigieuses dans le domaine des arts visuels, elle a reçu de nombreux honneurs au Canada et à l’étranger. Elle a cofondé le Centre des textiles contemporains de Montréal (CTCM) en 1989 avec Régine Mainberger et est l’auteure de l’ouvrage Le tissage créateur.
[En]
Louise Lemieux Bérubé was born in Montreal and studied weaving at the Rhode Island School of Design, as well as art history at UQAM. She is internationally recognized for her work in Jacquard weaving and computerized embroidery and has been involved in art institutions and associations. Shortlisted for the Saidye Bronfman Award in 2005, one of the most prestigious awards in visual arts, she has received many honours and distinctions in Canada and abroad. She co-founded the Montreal Centre for Contemporary Textiles in 1989 with Regine Mainberger and is the author of Le tissage créateur.
Anke Loh
Allemande, basée aux États-Unis | German, based in the USA
[Fr]
Anke Loh est professeure du Département de la mode à la School of the Art Institute de Chicago (SAIC) et se spécialise dans les textiles et les technologies portables. Ses collections ont été présentées dans des événements de renommée mondiale, notamment à la Semaine de la mode à New York, au Centre Pompidou à Paris, au Museum of Science and Industry de Chicago et au Festival international des arts et de la mode de Hyères, en France. Ses collaborations internationales comprennent l’intégration de panneaux Philips Lumalive dans des robes et des jupes présentant des vidéos sur des écrans LED intégrés, ainsi qu’un partenariat avec l’Institut Fraunhofer de Berlin pour explorer les circuits extensibles.
[En]
Anke Loh is a professor at the School of the Art Institute of Chicago in the Fashion Department and focuses on textiles and wearable technology. Her collections have been featured internationally, including at New York Fashion Week, the Centre Pompidou in Paris, the Museum of Science and Industry of Chicago, and the Festival International des Arts et de la Mode in Hyères, France. Her international collaborations include integrating Philips Lumalive panels into dresses and skirts featuring videos on embedded LED screens, and a partnership with the Fraunhofer Institute in Berlin to explore stretchable circuitry.
Ptolemy Mann
Britannique, basée au Royaume-Uni | British, based in United Kingdom
[Fr]
Ptolemy Mann explore la relation entre le fil et le pigment à travers des œuvres d’art et de design chromatiques, architecturales et abstraites depuis 1997. Elle a obtenu une maîtrise en textiles construits du Royal College of Art (RCA) de Londres et a reçu trois bourses du Conseil des arts d’Angleterre. Elle a travaillé comme journaliste textile et conférencière pendant 20 ans. Son approche unique de la teinture et du tissage à la main réactualise son métier pour le xxie siècle ; ses œuvres ont été exposées dans le monde entier, dans plus de 50 expositions individuelles et collectives. Tous ses travaux s’appuient sur une philosophie contemporaine du Bauhaus englobant les produits et la création artistique ; ils sont imprégnés par une théorie intelligente des couleurs.
[En]
Ptolemy Mann has been exploring the relationship between thread and pigment through architectural and abstract chromatic art and design work since 1997. She received her master’s degree in Constructed Textiles at the Royal College of Art, London, and was awarded three grants by the Arts Council of England. She has worked as a textile journalist and lecturer for 20 years. Her unique approach to hand dyeing and weaving brings her craft into the 21st century, and she has been exhibited worldwide in over 50 solo and group shows. A modern-day Bauhaus philosophy of products and artmaking combined with intelligent colour theory underpins all her work.
Julia Moser
Autrichienne, basée en Autriche | Austrian, based in Austria
[Fr]
Julia Moser explore l’attirance humaine pour la couleur et ses conséquences dévastatrices sur notre environnement à travers l’industrie textile. Elle a obtenu une maîtrise en conception d’art textile ainsi qu’une seconde maîtrise en mode et technologie à l’Université d’art et de design de Linz, où elle est doctorante dans le laboratoire Crafting Futures. Ses recherches portent sur l’utilisation de bactéries pigmentaires pour teindre les textiles sans produits chimiques nocifs tout en économisant les ressources. Ses travaux figurent dans la collection permanente du MaterialLab du centre Ars Electronica ainsi que dans la ‘matériauthèque’ du Musée du Design de Holon, en Israël.
[En]
Julia Moser explores the human desire for colour and its devastating impact on our environment through the textile industry. She completed one MA in textil.kunst.design as well as a second MA in Fashion and Technology at the University of Art and Industrial Design Linz, where she is a PhD student in the Crafting Futures Lab. Her research focuses on using pigment bacteria to dye textiles. This technique avoids the use of harmful chemicals and reduces resource consumption. Her work can be found in the permanent collection of the MaterialLab of the Ars Electronica Center as well as the Material Library of Design Museum Holon in Israel.
Gulnur Mukazhanova
Kazakhe, basée en Allemagne | Kazakh, based in Germany
[Fr]
L’artiste Gulnur Mukazhanova est diplômée de l’Académie nationale des Arts d’Almaty, au Kazakhstan, et de l’École supérieure des Beaux-Arts de Berlin-Weißensee, en Allemagne. Elle a exposé ses œuvres dans le monde entier, notamment à la Biennale de Venise et à Documenta XV. Son travail est influencé par les traditions textiles kazakhes, le feutre étant son matériau de prédilection. Son travail aborde les problèmes d’identité et la transformation des valeurs traditionnelles de sa culture à l’ère de la mondialisation.
[En]
The artist Gulnur Mukazhanova graduated from the Kazakh National Academy of Arts in Almaty, Kazakhstan, and the Weißensee Kunsthochschule Berlin, Germany. She has exhibited internationally, including at the Venice Biennale and Dokumenta XV. Her work is influenced by Kazakh textile traditions, with felt being her most important material. Her work addresses identity problems and the transformation of traditional values in her culture in the age of globalization.
Veronica Ranner
Allemande, basée à Singapour | German, based in Singapore
[Fr]
Veronica Ranner est une conceptrice et artiste transdisciplinaire qui se consacre à la recherche sur les (bio)technologies émergentes, le biodesign, la biofabrication, la conception de systèmes et les approches expérimentales alliant design, science et société. Elle est professeure adjointe à l’École d’art, de design et de média (ADM) de la Nanyang Technological University (NTU), à Singapour. Ses recherches portent sur l’éthique des futurs bionumériques, où la pensée informatique et la matière biologique convergent. S’inspirant des études en science et technologie (STS), de la théorie critique, de l’interaction homme-machine (HCI), de la sociologie et du posthumanisme critique, elle trace les contours de configurations bionumériques polyphoniques, leurs expansions, leur émergence, et leurs implications (éthiques) pour le design, la société et l’écologie.
[En]
Veronica Ranner is a transdisciplinary designer and artist, researching emerging (bio)technologies, bio-design, bio-fabrication, systems design, and experimental approaches between design, science, and society. She is Assistant Professor at Nanyang Technological University’s (NTU) School of Art, Design, and Media (ADM), Singapore. Her research explores the ethics of bio-digital futures, where computational thinking meets biological matter. Drawing from science and technology studies (STS), critical theory, human-computer-interaction (HCI), sociology, and critical post-humanism, she traces the outlines of expanding polyphonic bio-digital configurations, their emergence, and their (ethical) implications for design, society, and ecology.
Marie Schumann
Allemande et suissesse, basée en Suisse | German and Swiss, based in Switzerland
[Fr]
Née à Offenbach-sur-le-Main, Marie Schumann a obtenu une licence en design textile à l’Université des sciences appliquées de Hambourg et un master au Département d’art et de design de la Haute École de Lucerne (HSLU). Après s’être familiarisée avec l’univers scandinave des couleurs et du design à Copenhague, elle a séjourné à Singapour dans le cadre d’une bourse. Elle a exposé ses œuvres à Hyères, Venise et Vienne, ainsi qu’à Hambourg, Lucerne, Paderborn et Winterthur, et dans toute la Suisse, notamment au Museum für Gestaltung de Zurich. Elle vit et travaille à Zurich.
[En]
Born in Offenbach am Main, Marie Schumann earned her bachelor’s degree studying textile design at the University of Applied Sciences in Hamburg and completed her master’s degree at the Lucerne University of Applied Sciences and Arts. In addition to gaining insight into the world of Scandinavian colours and shapes in Copenhagen, she spent time in Singapore on a working scholarship. She has exhibited her work in Hyères, Venice, and Vienna, as well as in Hamburg, Lucerne, Paderborn, and Winterthur, and throughout Switzerland, including at the Museum für Gestaltung in Zurich. She lives and works in Zurich.
Reiko Sudō
Japonaise, basée au Japon | Japanese, based in Japan
[Fr]
Reiko Sudō est l’une des artistes et designers textiles contemporaines les plus influentes du Japon et la directrice du design à la société textile NUNO. Elle a étudié à l’Université d’art de Musashino, est professeure émérite à l’Université Tokyo Zokei, titulaire d’une maîtrise honorifique de l’Université des arts créatifs (Royaume-Uni) et a reçu de nombreux prix. Ses œuvres ont été exposées dans le monde entier, notamment au Museum of Modern Art (MoMA) et au Cooper-Hewitt Museum à New York, au Musée national d’Art moderne à Tokyo et au Musée Guimet à Paris. Reiko Sudō associe le riche patrimoine textile japonais et les méthodes de fabrication durable avec les technologies de pointe.
[En]
Reiko Sudō is one of Japan’s most influential contemporary textile artists and designers and the head of design at the NUNO textile company. She studied at Musashino Art University, and is an Emerita Professor at Tokyo Zokei University, an honorary MA graduate from the University for the Creative Arts (UK), and a recipient of multiple awards. Her work has been shown internationally, including at the Museum of Modern Art and the Cooper Hewitt Museum in New York, the National Museum of Modern Art, Tokyo, and the Musée Guimet, Paris. Reiko Sudō combines Japanese textile heritage and sustainable manufacturing methods with cutting-edge technology.
Hiroko Takeda
Japonaise, basée aux États-Unis | Japanese, based in USA
[Fr]
L’artiste et designer Hiroko Takeda explore les possibilités expressives du tissage à travers un langage sculptural et pictural. Son parcours artistique débute à Kyoto et à Tokyo, où elle est formée dans la tradition du mouvement japonais des arts et métiers, le Mingei Undou. Elle obtient ensuite une maîtrise en textiles construits du Royal College of Art de Londres. Les créations de Takeda ont fait l’objet d’expositions importantes dans le monde entier, en Amérique du Nord, en Europe, en Asie et en Australie, et elle a réalisé des commandes pour des architectes de renom et des collectionneurs privés. En tant qu’artiste en résidence à la Fondation Josef et Anni Albers, elle a été récompensée par des prix prestigieux, dont l’International Textile Award à Tokyo, l’ICFF Editors’ Award et le Jack Larsen Contemporary Textile Prize.
[En]
The artist and designer Hiroko Takeda specializes in textile weaving, exploring its expressive possibilities through a language that intertwines sculpture and painting. Her artistic journey began in Kyoto and Tokyo and was nurtured by the tradition of the Japanese folk craft movement, Mingei Undou. Takeda developed her skills by obtaining a master’s degree in Constructed Textiles from the Royal College of Art in London. The creations of Takeda have graced prominent exhibitions worldwide, spanning North America, Europe, Asia, and Australia, and have been commissioned by renowned architects and private collectors. As an artist-in-residence at the Josef and Anni Albers Foundation, she has garnered esteemed accolades, including the International Textile Award in Tokyo, the ICFF Editors’ Award, and the Jack Larsen Contemporary Textile Prize.
Suzanne Tick
Mohawk, basée au Canada | Mohawk, based in Canada
[Fr]
Tisserande et designer textile, Suzanne Tick est diplômée de l’Université de l’Iowa et a obtenu un diplôme en arts appliqués au Fashion Institute of Technology de New York. Elle a été directrice artistique de Knoll Textiles de 1994 à 2005 et est depuis directrice artistique de Luum Textiles. Le nom « Luum » fait référence à la combinaison de techniques de tissage ancestrales, représentées par le métier à tisser traditionnel, avec de nouvelles technologies durables. L’approche de Tick en matière de conception tissée à la main est unique – chaque produit commence sur un métier à tisser dans son studio. Son travail a été exposé au Museum of Modern Art (MoMA), au Cooper-Hewitt Museum, au Museum of Art and Design (MAD), à New York, au Art Basel et au Musée des beaux-arts de Montréal.
[En]
Weaver and textile designer Suzanne Tick graduated from the University of Iowa and earned a degree in Applied Arts from New York’s Fashion Institute of Technology. She served as Creative Director of Knoll Textiles from 1994 to 2005 and is currently the Creative Director of Luum Textiles. The name ‘Luum’ represents the fusion of age-old weaving techniques, symbolized by the traditional loom, with innovative sustainable technologies. Tick’s hand-woven approach to design is truly unique—each product originates on a loom in her studio. Her work has been showcased at renowned institutions such as MoMA, Cooper Hewitt, MAD, Art Basel, and the Montreal Museum of Fine Arts.
Pauline van Dongen
Néerlandaise, basée aux Pays-Bas | Dutch, based in the Netherlands
[Fr]
Pauline van Dongen est une créatrice de mode et une artiste spécialisée dans les textiles et les vêtements intelligents. Titulaire d’un doctorat de l’Université de technologie d’Eindhoven et d’une maîtrise de l’Institut de mode Arnhem, elle explore les relations entre l’être humain et le vêtement. Elle a établi son studio de design, reconnu à l’échelle internationale, en 2010 et fait figure de pionnière dans le domaine des vêtements et textiles solaires. Situé dans l’intersection dynamique de la mode et de la technologie, le studio se consacre à un travail collaboratif et interdisciplinaire, permettant à l’innovation et à l’expérimentation de prendre la forme de produits portables et désirables, ainsi que d’expériences tactiles.
[En]
Pauline Van Dongen is a fashion designer and artist who specializes in smart textiles and smart clothing. She holds a PhD from the Eindhoven University of Technology and a master’s from the Fashion Institute Arnhem. Her work explores human-garment relationships. She established her internationally acclaimed design studio in 2010 and has been a pioneer in the domain of solar garments and textiles. Immersed in the dynamic intersection of fashion and technology, the studio is dedicated to collaborative, cross-disciplinary work that enables innovation and experimentation to take the form of wearable and desirable products and tactile experiences.
